Architetto, teorico dell’architettura e scenografo italiano del Rinascimento, Andrea di Pietro della Gondola, anche noto come Andrea Palladio, nacque il 30 Novembre del 1508. E’ considerato uno fra gli architetti più importanti dell’Occidente, lavorando soprattutto nella Repubblica Veneta, progettando numerose ville, chiese e palazzi. Nel suo trattato I quattro libri dell’architettura, descrive il suo stile inimitabile che sarà chiamato poi “palladianesimo”, che richiama all’antichità classica.

Andrea nacque nel 1508 a Padova, nella Repubblica di Venezia, da una famiglia di umili origini. Fu all’età di 13 anni che cominciò l’apprendistato, presso il famoso scalpellino Bartolomeo Cavazza, con cui rimase solo per diciotto mesi, a causa del trasferimento con la famiglia a Vicenza. Fu in questa nuova città che si iscrisse nella corporazione dei muratori, iniziando a lavorare presso lo scultore Girolamo Pittoni e nella bottega del costruttore Giovanni di Giacomo da Porlezza.

Esordi e opere più importanti

La svolta fondamentale per la sua carriera avvenne nel 1535, grazie all’incontro con il conte vicentino Giangiorgio Trissino dal Vello d’Oro, che avrà grande importanza per la sua attività. Come poeta ed umanista, prese Andrea sotto la sua protezione, conferendogli anche l’aulico soprannome di Palladio, derivato da un poema epico scritto proprio da lui stesso. Lo guiderà inoltre nella sua formazione culturale e verso lo studio della cultura classica, conducendolo più volte a Roma, per studiare le antichità.

Fu in questi anni che Palladio realizzò le sue prime opere significative, fra cui la villa di Gerolamo Godi a Vicenza, oppure la villa suburbana di Cricoli di Trissino. Dopo avere lavorato al portale della Domus Comestabilis a Vicenza, si occupa del monumento al vescovo di Vaison Girolamo Schio nella cattedrale cittadina. Due anni più tardi avvia l’edificazione, ancora a Lonedo di Lugo di Vicenza, di Villa Piovene, mentre nel 1540 collabora alla realizzazione di Palazzo Civena. Nello stesso periodo Andrea Palladio è impegnato anche con Villa Gazzotti, a Bertesina, e con Villa Valmarana, a Vigardolo di Monticello Conte Otto.

Lo stile

La formazione culturale di Andrea Palladio, come già detto, avvenne sotto la guida e tutela dell’umanista Gian Giorgio Trissino dal Vello d’Oro, che lo guidò verso lo studio di grandi artisti classici come Michelangelo Buonarroti e Raffaello Sanzio. Fu infatti per Giangiorgio che realizzò la sua villa alle porte di Vicenza nel 1482, disegnando una facciata ispirata alle soluzioni di Raffaello per Villa Madama.

Essa presentava una loggia a doppie arcate posta tra due torrette una delle quali preesistente. La torre a lato di un corpo composto da un portico con loggia al piano superiore è uno schema che ritroviamo tipico dell’architettura vicentina quattrocentesca. L’adesione a questo stile però venne interrotta da Palladio, in adesione allo spirito umanistico e neoplatonico, inserendo spazi interni proporzionali e simmetrici. Il tratto significativo di Palladio infatti fu quello di introdurre nelle sue architetture lo schema ricorrente del sistema di proporzioni interrelate 1:1; 2:3; 1:2.

I quattro libri dell’architettura

Grazie all’influenze delle molteplici committenze, Palladio iniziò a lavorare a Venezia, soprattutto nell’architettura religiosa. Fu proprio qui che pubblicò I quattro libri dell’architettura, un trattato a cui aveva lavorato fin da giovane e in cui è illustrata la maggior parte delle sue opere. Fu il più importante tra i numerosi testi di Palladio, attraverso il quale si diede origine ad un movimento chiamato il palladianesimo, che richiama ai principi classico-romani. Questo trattato infatti definì i canoni classici degli ordini architettonici, anticipando quella che sarà successivamente l’architettura neoclassica.

I disegni, gli aspetti stilistici e le proporzioni formali contenute in questo trattato influenzarono in modo determinante tutta la produzione architettonica successiva, dall’Illuminismo all’Ottocento, fino alla nascita del Movimento Moderno nel Novecento. Palladio in questo trattato sviluppa la teoria delle proporzioni architettoniche, già anticipata nel trattato De architectura di Vitruvio, definendo che le dimensioni di un edificio, dei suoi elementi costruttivi e dei suoi elementi stilistici potevano essere ricavati in proporzione dalle tavole di tale trattato. Queste proporzioni fanno riferimento al cosiddetto modulo, ovvero il diametro della colonna di un edificio preso come unità di misura.

Ultimi anni

Dopo essersi impegnato nella progettazione della Chiesa di Santa Maria Nova a Vicenza, Palladio si dedicò ai disegni per il Teatro Olimpico di Vicenza. Fu una costruzione maestosa, che rappresenta l’ultima opera dell’artista e che prende spunto dai motivi del teatro classico romano. Una grandiosa architettura con prospettive profonde che, insieme ai portali, esaltano un concetto di dinamismo spaziale molto moderno, e sono un lascito prezioso del maestro. Fu infatti nel 1580, che Palladio morì all’età di 72 anni, lasciando incompiute buona parte delle sue architetture, terminate poi da altri artisti sulla base dei suoi disegni pubblicati nei Quattro libri.

Federica.

Poeta, pittore e incisore inglese, William Blake nacque il 28 Novembre del 1757. Rimase alla storia della letteratura inglese per essere l’ideatore di una tecnica innovativa per la realizzazione di opere di sorprendente forza di immaginazione e per l’abilità di trasferire nel mondo reale le sue visioni spirituali. Considerato pazzo per le sue idee stravaganti, divenne poi molto apprezzato per la sua espressività, la sua creatività e per la visione filosofica che sta alla base della sua poesia e della sua arte. 

Nato nella Londra del 1757, in una famiglia numerosa appartenente alla borghesia. Non frequentò mai la scuola, ma fu educato in casa dai genitori, frequentatori della Chiesa Morava. Fu anche per questo che la Bibbia ebbe una grande influenza su William, restando fonte di ispirazione per tutta la sua vita. Il giovane Blake, oltre all’amore per la letteratura, mostra un precoce talento per l’arte delle incisioni, ricopiando opere di grandi artisti come Michelangelo e Raffaello.

L’esordio artistico

Fu infatti all’età di dieci anni, che William inizia prima a frequentare la scuola di disegno, e poi un apprendistato come incisore nello studio di uno degli artisti più noti nel suo campo, William Ryland. Vi restò per qualche anno, anche se il rapporto con il maestro e i compagni fu conflittuale, soprattutto a causa del suo carattere introverso e ribelle. Ecco perchè nel 1783 decise di cambiare, ed entrare nello studio James Basire, un altro incisore meno conosciuto, per cui lavorò 7 lunghi anni.

Per il suo maestro, andava spesso a copiare dal vivo particolari delle chiese gotiche di Londra, tra cui l’Abbazia di Westminster, che ebbe un ruolo fondamentale per la nascita della grande passione per l’arte medievale. Questo perchè a quell’epoca la cattedrale era decorata con armature, dipinti di scene funerarie e variopinte statue di cera, tipicamente di stile gotico medievale.

I libri miniati

Nel 1779 termina il suo apprendistato con Basire, per iscriversi presso la scuola d’arte più prestigiosa d’Inghilterra, la Royal Academy of Arts, per seguire un corso della durata di 6 anni. La sua esperienza però qui fu breve ed infelice, segnata dall’ostilità nei confronti del preside dell’Accademia, e della sua visione artistica, in netta contrapposizione con la sua. Tuttavia Blake coltiva importanti amicizie fra gli studenti, tanto che nel 1780 iniziò a ricevere le prime commissioni come incisore.

Fu però nel 1782 che iniziò effettivamente la sua carriera, in seguito alla conoscenza di John Flaxman, scultoree disegnatore inglese, che diventò il suo mecenate. Fu in quel momento che decise di fondere la sua passione per l’arte con la letteratura, dando vita ad opere poetiche abbinate da incisioni decorative, i così chiamati Libri Miniati. Blake battezzò questa tecnica di “stampa miniata”, dando vita alla sua prima raccolta di poesie Schizzi poetici pubblicata nel 1783.

Le opere più importanti

Realizzò successivamente anche Canti dell’innocenza e Canti dell’esperienza, anch’essi fondendo poesia e incisione. Fra queste due raccolte poetiche si colloca il più importante fra i lavori in prosa di William Blake, ovvero Il matrimonio del Cielo e dell’Inferno, pubblicato nel 1793. Come libro miniato, fu una complessa opera filosofica in cui esprime la rivolta contro i valori consolidati della sua epoca.

Nel 1784, Blake aprì una tipografia, che gli permise di sperimentare differenti tecniche di stampa per il suo lavoro, e lo condusse a sviluppare ed affinare un nuovo metodo denominato relief etching, ovvero incisione a rilievo. Blake realizza poi una serie di monotipi, conosciuti generalmente con il nome di Grandi stampe a colori, di cui se ne conoscono ufficialmente dodici, ispirati a vari argomenti come alla Bibbia, a William Shakespeare e a Milton. In realtà si fa riferimento all’esistenza almeno di un altro monotipo, che pare però non sia giunto sino a noi.

Federica.

Fisico, matematico e astronomo svedese, Anders Celsius nacque il 27 Novembre del 1701. Famoso insegnante di astronomia, restò alla storia per aver dato vita ad una nuova scala di temperatura, ora universalmente adottata da tutti, la cui unità di misura prese il nome di grado Celsius, appunto in suo onore. Per questa invenzione gli venne dedicato un cratere sulla Luna, chiamato cratere Celsius, e un asteroide 4169 Celsius.

Nato nel gennaio 1701 a Uppsala, in Svezia, Andres Celsius seguì le orme del padre, professore di Astronomia presso gli istituti universitari della città. Si formò attraverso lo studio delle scienze matematiche e astronomiche, senza tuttavia trascurare la fisica sperimentale, che tanto influirà sulle sue ricerche nel settore della termometria. Come il padre, anche lui, ad appena 29 anni divenne professore di matematica e poi astronomia nell’Università della città.

Viaggi: gli studi in Lapponia

Negli anni compresi tra il 1732 e il 1736, realizzò numerosi e lunghi viaggi stabilendo contatti personali con altri studiosi, frequentando molti centri di ricerche astronomiche e visitando vari osservatori, come in Germania, Francia e Italia. Durante uno dei suoi viaggi a Parigi, conobbe Pierre Luis de Maupertuis, con il quale entrerà a far parte di un gruppo di studiosi che lavoravano alle celebri misurazioni dell’arco di meridiano. Venne infatti inviato in Lapponia con il compito di verificare se la teoria di Newton, riguardo dello schiacciamento della terra ai poli fosse esatta.

Nel corso del viaggio Celsius confermò questa teoria sulla forma del globo terreste, sostenendo che fosse schiacciato ai poli, validando così le teorie newtoniane. Successivamente, insieme al suo assistente Olof Hiorter, ritornò in Lapponia per analizzare i cambiamenti del campo magnetico terrestre, e valutare la luminosità delle stelle con strumenti di misurazione. Qui inoltre realizzò numerose osservazioni di aurore boreali, circa 316, pubblicate successivamente tra il 1716 e il 1732.

La scala Celsius

Nel 1733, il suo itinerario europeo toccò anche l’Italia. E proprio in Italia che realizzò le prime indagini concernenti il suo interesse per i problemi annessi alla misurazione della temperatura, legato soprattutto al modo di costruire termometri a mercurio. Si sa inoltre che Celsius aveva compiuto già qualche anno prima, osservazioni barometriche e termometriche, servendosi prima di strumenti di Hauksbee, e poi utilizzando un termometro costruito da Nollet e di un altro termometro dovuto a J. N. Delisle. Da queste osservazioni, pubblicherà una memoria relativa ai problemi della termometria relativi a tali strumenti.

Come soluzione a questi problemi della termometria, egli proporrà nel 1742 di utilizzare una scala centigrada differente, riferita a due punti fissi. Il primo di valore 100 °C, corrispondeva alla temperatura, a livello del mare, alla quale l’acqua congela, mentre il valore 0 °C corrispondeva alla temperatura, sempre a livello del mare, alla quale l’acqua bolle. Questi due valori dovevano essere applicati ad un termometro a mercurio a pressione di 760mm, fornendo altresì una regola per fissare lo zero in corrispondenza di valori differenti della pressione stessa. Questa fu una scala delle temperature che ancora oggi siamo abituati ad utilizzare, anche se completamente rovesciata.

L’evoluzione e il successo

Il rovesciamento della scala di temperature però avvenne in seguito alla morte di Celsius, avvenuta nel 1744. Solo alcuni anni dopo infatti, i fabbricanti di termometri decisero di rovesciare la scala proposta da Celsius, mettendo, come è oggi, lo zero alla temperatura di fusione del ghiaccio e il grado 100 alla temperatura di ebollizione dell’acqua. Così modificata la scala della temperatura in gradi Celsius si diffuse in tutto il mondo con il termine di Gradi Centrigradi, eccetto che in Inghilterra e negli Stati uniti, fedeli alla scala dei gradi Fahrenheit.

Il termine centigradi indica che nella scala considerata ci sono 100 gradi tra il punto di fusione del ghiaccio e il punto di vaporizzazione dell’acqua. In realtà questa fu una caratteristica anche della scala di temperature introdotta successivamente da Kelvin, scala anch’essa centigrada ma con valori 273 e 373. Fu all’inizio del 2000 che la Comunità Europeaemanò una legge secondo la quale nei paesi dell’Unione, non si potè più utilizzare la dizione “gradi centigradi”, ma al contrario doveva essere sempre utilizzata quella di “gradi Celsius”, in onore di Anders.

Ultimi anni

Celsius con questa grandissima scoperta, guadagnò molto rispetto in tutto il mondo, suscitando anche interesse nelle scienze astronomiche. Fu infatti nel 1741, che Celsius fondò l’osservatorio astronomico di Uppsala, che fu equipaggiato con i più moderni strumenti dell’epoca, acquistati durante il suo lungo viaggio. Celsius nella sua breve intensa vita, morì di tisi a 42 anni, oltre alla sua opera di astronomo e alle sue numerose ricerche in vari campi della fisica, scrisse poesie, romanzi di divulgazione scientifica e persino un romanzo di fantascienza ambientato sulla stella Sirio.

Federica.

Charles Monroe Schulz nato a Minneapolis, il 26 novembre 1922, è stato un fumettista statunitense, conosciuto in tutto il mondo per aver creato le strisce dei Peanuts. Dalla nascita fu destinato al mondo del fumetto, grazie allo zio che gli diede il soprannome “Sparky”, derivato al fumetto del cavallo Spark Plug.

Così Charles divenne Sparky per tutti, nomignolo con cui firmò i suoi primi lavori e con il quale lo chiamarono sempre gli amici. Amò da subito disegnare e leggere le strisce di fumetti che apparivano sui giornali dell’epoca, augurandosi intimamente di poterne un giorno pubblicare di proprie.

Dalla realtà di Schulz ai fumetti

Uno dei personaggi principali dei suoi fumetti è Snoopy, un cagnolino alto, allampanato e dall’aria perennemente assonnata. Realizzò questa figura sul modello del suo vero cane Spike, regalatogli dai genitori a tredici anni.

Il secondo protagonista invece si basa sull’amicizia reale con un ragazzo delle superiori di nome Charlie Brown, poi utilizzato nell’invenzione della figura dell’omonimo bambino nel fumetto. Oppure l’impiegata Donna World, suo primo amore non corrisposto, gli ispirerà quel personaggio fuori campo che è la ragazzina dai capelli rossi, eterna innamorata di Charlie Brown.

Charles M. Schulz agli esordi

Il suo punto di partenza fu il giornale di St. Paul, che decise di pubblicare alcune sue strisce. Dopo questo piccolo riconoscimento, Charles si convinse a realizzare una nuova produzione e di mandarla all’United Feature Syndacate di New York. Questa grande azienda statunitense di strisce a fumetti e colonne editoriali, rispose positivamente producendo le sue opere.

Fu proprio l’editore di questa azienda che suggerì di intitolare queste strisce con il termine Peanuts, letteralmente “noccioline”, a causa della velocità e dell’insaziabilità con cui si consumavano leggendo. Con l’andare degli anni, i Peanuts divennero uno dei fumetti più popolari di tutti i tempi.

L’arrivo del successo mondiale

Presto Schulz creò una galleria indimenticabile di personaggi, oggi noti in tutto il mondo. Snoopy, Charlie Brown, Lucy, Linus, Sally, Woodstock, Schroeder e molti altri. I Peanuts debuttarono quindi ufficialmente per la prima volta il 2 ottobre 1950. I suoi personaggi vengono pubblicati sui giornali di 67 paesi, comparendo anche in programmi di animazione, nei film per il cinema, diari di scuola e raccolte di fumetti.

Sono dunque diventati non solo un fenomeno di culto, ma persino oggetto di studio da parte di letterati, saggisti e psicologi. Essi, infatti, un modo o nell’altro, fanno riflettere su quelli che sono i piccoli problemi di tutti i bambini (e non solo) di questo mondo.

Ultimi anni di vita

Nel novembre 1999 Schulz sopravvisse a un ictus, ma poco più tardi gli venne diagnosticato un cancro al colon. Fu questa la causa del suo ritiro, avvenuto all’età di settantasette anni. Prima di morire scrisse nel suo testamento, che i personaggi dei Peanuts rimanessero genuini e morissero con lui, tanto che odiava l’idea che qualcuno prendesse il suo posto. E così fu, nel giorno della sua morte, avvenuta il 12 febbraio 2000, assieme a lui sono uscite di scena anche le sue creazioni.

Federica.

Pittore e artista muralista messicano, Diego Rivera morì il 24 Novembre del 1957. Di ideologia comunista, divenne famoso per le tematiche politiche e sociali delle sue opere, realizzate in gran parte su muri di edifici pubblici, soprattutto nel centro storico di Città del Messico. L’artista divenne popolare anche per il suo matrimonio decisamente travagliato con la pittrice Frida Kahlo.

Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez, così è il suo nome completo, nacque in Messico l’8 dicembre 1886. Nato da una modesta famiglia, studia a Città del Messico e, fu da subito appassionato di pittura, tanto che già a dieci anni frequenta dei corsi serali all’Accademia San Carlos. Realizzando circa ventisei opere, venne considerato un bambino prodigio, tanto che nel 1905 ricevette una borsa di studio dal Ministro dell’educazione.

L’esordio artistico

Grazie a questo incentivo, oltre a un secondo ricevuto due anni più tardi dal governatore di Veracruz, ebbe l’opportunità di volare in Spagna, a Madrid, dove entra nella scuola del maestro Eduardo Chicharro. Fino a tutta la metà del 1916, il giovane artista si spostò tra Spagna, Messico e Francia, frequentando intellettuali importanti come Ramón del Valle, Alfonso Reyes, Pablo Picasso, Juan Gris e Amedeo Modigliani, quest’ultimo realizzò anche un suo ritratto. Nel 1920 viaggia anche in Italia dove ebbe modo di visitare Roma, Firenze e Ravenna, accumulando numerosi appunti tra bozzetti e schizzi.

Tornato definitivamente in Messico, ebbe il progetto di trasformare l’arte messicana, realizzando l’opera La Creacion, prima pittura murale realizzata nell’ Anfiteatro Bolivar dell’Escuela Nacional Preparatoria di Città del Messico. Sensibile ai nuovi fermenti politici ed alla lotta di classe, Diego Rivera nel 1922 si iscrisse al Partito Comunista e iniziò a parte del gruppo del Sindacato dei Pittori, Scultori ed Incisori Rivoluzionari. E’ proprio in questo periodo che darà vita ai suoi bellissimi murales su molti edifici pubblici di Città del Messico, che verranno considerata la più grande espressione muralista dell’epoca, affrescando chilometri e chilometri di pareti.

Artista muralista

I suoi murales passarono alla storia, per essere stati dipinti da Rivera per più di quarant’anni, realizzati con una foga e una dedizione tale, da rimanere incollato sui ponteggi anche per giorni, mangiando e dormendoci sopra. Sui suoi murales dipinti, racconta le vicende del suo popolo, i Peones, e delle antiche civiltà come la azteca, la zapoteca, la totonaca, la huasteca, avvalendosi di uno stile descrittivo-folkloristico. Ama mescolare il vecchio e il nuovo, il moderno e l’antico, con l’aggiunta di personaggi dai tratti sicuri e severi, in gruppi compatti di forme, di volumi e di colore. Tre sono le figure fondamentali nelle sue opere, che rispecchiano la rivoluzione messicana, e sono Hidalgo, Juarez, Zapata.

Tra i suoi affreschi più emblematici ci sono quelli del Palazzo nazionale a Città del Messico e quelli della scuola nazionale d’agricoltura a Chapingo. Ma la sua fede politica, che lo porterà ad autodimettersi dal partito nel ’29, lo portò anche a disegnare nelle sue opere un Marx e un Lenin. Fu proprio quest’ultimo che dipinse sull’affresco commissionato per il Rockefeller Center, che ha per tema l’uomo artefice e costruttore del suo cammino. Opera che portò a numerose critiche, al licenziamento dell’artista e la distruzione dell’affresco. Rivera tornò così in Messico nel 1934, iniziando anche a dipingere su tela, iniziando a costruire l’Anahuacalli, il suo studio-museo come un tempio azteco e destinato alla raccolta della sua collezione di arte pre-colombiana.

Amori e ultimi anni

Tutta la sua vita è segnata dalle scelte politiche ed amorose, tanto che ebbe 4 mogli e molte amanti. Fu soprattutto la terza moglie ad essere importante, Frida Kahlo, artista e pittrice nota a livello mondiale. Con Frida fecero moltissimi viaggi grazie alla loro arte, e restarono per dieci anni insieme. Anche con quest’ultima divorziò, nel 1939, ma si riuniranno l’anno successivo e si risposeranno, rimanendo insieme fino alla morte di Frida per malattia nel 1954. Un anno dopo la morte di Frida, Rivera si sposò per la quarta e ultima volta.

Nelle sue ultime opere, come ad esempio in Autoritratto, l’artista non ci mostra più il Rivera dongiovanni, il seduttore, ma un uomo ormai sofferente forse della morte di Frida o per via del suo male inguaribile. Certo non è più quell’uomo brillante pieno di fascino che attirava le donne le incantava con il suo modo di fare ma piuttosto un uomo maturo arrivato alla fine di una vita colma di eventi. Il 24 novembre 1957, morì a Città del Messico, per insufficienza cardiaca all’età di 71 anni.

Federica.

Famoso pittore italiano, Agnolo di Cosimo, conosciuto meglio come Agnolo Bronzino, morì il 23 Novembre del 1572. Tra i più raffinati e mirabili pittori del Manierismo fiorentino, è noto per essere stato uno dei più abili ed incisivi ritrattisti della corte medicea nella Firenze tardo rinascimentale. Sue caratteristiche sono la pittura di regime ed il suo enigmatico stile per una ristretta aristocrazia culturale. Le sue opere sono state definite ritratti “glaciali”, in quanto scavano un abisso tra il soggetto raffigurato e l’osservatore.

Il vero nome del Bronzino era Agnolo di Cosimo, e il soprannome Bronzino può essere riferito sia all’aspetto scuro dei soggetti dei suoi ritratti, ma anche ai capelli rossi. Nacque a Monticelli, vicino Firenze, città in cui passò gran parte della sua vita, insieme alla famiglia. Fin da subito appassionato d’arte, inizia la sua formazione artistica con il pittore Raffaellino del Garbo, un pittore del primo Rinascimento fiorentino, e poi nella bottega di Pontormo, uno dei fondatori dello stile Manierista fiorentino.

L’esordio artistico e le prime opere

Fu proprio nella bottega di Pontormo, che Bronzino fu fortemente influenzato dall’insegnamento del suo maestro, con il quale collaborò a tutte le imprese decorative del tempo, dal chiostro della certosa del Galluzzo alla cappella Capponi in Santa Felicita. Fu durante la formazione presso questo artista che il Bronzino subì anche l’influenza di Michelangelo e Leonardo da Vinci, di cui lo stesso Pontormo era stato alunno. 

L’affresco staccato con San Benedetto penitente della Badia fiorentina è fra le prime opere note dell’artista, mentre per la cappella Capponi in santa Felicita dipinse, secondo Vasari, due dei quattro tondi con le figure degli evangelisti. Al 1529 risale la Pietà con la Maddalena, mentre nel 1531 si trasferì a Pesaro dove lavorò per la famiglia Della Rovere, partecipando alla decorazione ad affresco della Villa Imperiale, in collaborazione con i fratelli Dossi e Girolamo Genga.

TITOLo

Ben presto si affermò anche come apprezzatissimo ritrattista. Fra le opere più precoci, si ricordano il Ritratto di Guidobaldo Della Rovere in armi della Galleria Palatina e la Dama in rosso di Francoforte. Una nuova fase artistica il Bronzino la evidenziò con la serie di ritratti eseguiti dal 1530 al 1545, come l’Ugolino Martelli, e il Bartolomeo e Lucrezia Panciatichi, nei quali la verosimiglianza delle figure, rafforzata dai chiaroscuri, convive con un valore della forma metafisico.

Quando, nel 1552, a Firenze scoppiò la peste, il Pontormo portò con se il Bronzino presso la Certosa del monastero del Galluzzo, dove i due lavorarono insieme a una serie di affreschi. Questo fu un periodo molto importante per il Bronzino, dal quale iniziò la sua fama e reputazione, tanto da essere chiamato a lavorare prima per il Duca di Urbino e poi per il Duca di Toscana Cosimo de’ Medici. Fu infatti alla morte prematura di Raffaello, all’ora ritrattista dei Medici, che Bronzino prese il suo posto, ritraendo Cosimo de’ Medici e altri familiari.

I lavori per i Medici

Dopo aver realizzato le decorazioni per il matrimonio del Duca Cosimo de’ Medici e di Eleonora di Toledo, realizza anche i loro ritratti, raffigurati tra altri esponenti della corte del Duca. I soggetti mostrano una delicata freddezza e un portamento quasi distaccato, caratteristiche che definirono l’impassibile ma elegante tecnica dei ritratti del Bronzino. In essi emerge una forma perfetta caratterizzata da una superficie a tratti smaltata e gelida, di profondo fascino. In questo periodo divenne il ritrattista ufficiale di corte, realizzando la celebre serie dei ritratti figli di Cosimo, oltre ad una serie di ritratti commissionati anche dagli alleati come i Doria.

Nel 1540 il Duca Cosimo gli diede l’incarico di decorare la cappella privata della moglie Eleanora di Toledo, che iniziò nel 1545 e terminò 20 anni dopo. Ne realizzò gli affreschi della volta e delle pareti, ma soprattutto la pala d’altare con la Deposizione, tuttora considerata uno dei suoi massimi capolavori. Anche all’epoca fu così apprezzata, soprattutto dal cancelliere dell’imperatore Carlo V, che Cosimo decise di fargliene dono, chiedendo poi al pittore di realizzarne una copia identica che ancora oggi si può vedere nella cappella.

Ultimi anni

Oltre agli affreschi e ai ritratti, Bronzino creò numerose opere a carattere religioso, dipinti a sfondo sacro e profano. Tra queste opere ricordiamo, La resurrezione della Vergine Maria, e il Martirio di san Lorenzo. Dipinse anche dei nudi erotici, immortalandoli comunque come se fossero allegorie morali, come nel suo famosissimo dipinto Allegoria del trionfo di Venere, opera che fa parte ancora oggi della cultura popolare mondiale. Fu anche autore di rime burlesche, tra cui una famosa dedicata alla “cipolla”.

Nel 1541 il Bronzino entrò nell’Accademia Fiorentina e realizzò il Passaggio del Mar Rosso, apice della sua qualità artistica aggiungendo al manierismo una idealizzazione plastica ispirata dagli esempi scultorei michelangioleschi. Nel 1557 alla morte di Pontormo, si occupò di finire il grande affresco del coro della Basilica di San Lorenzo a Firenze, opera che però rimase incompleta perchè l’artista morì nel 1572. Un suo devoto allievo, Alessandro Allori, completò in suo onore il lavoro.

Federica.