Il Natale di Roma, anticamente detto Dies Romana, è una festività legata alla fondazione della città di Roma, festeggiata il 21 aprile del 753 a.C. Secondo la leggenda, fu Romolo ad aver fondato la Città Eterna. la cui figura è sempre abbinata al suo gemello Remo. I due gemelli diretti discendente di Enea, nati dalla bella Rea Silvia purtroppo costretta ad abbandonarli appena nati, e allattati da una lupa come fossero suoi cuccioli.

Una data importante dunque, e sempre avvolta da un aurea di leggenda, tanto da essere apprezzata da letterati e artisti. Il momento del ritrovamento dei due bambini fu immortalato su tela più volte, probabilmente perché agli artisti piacque ricordare che uno degli imperi più potenti della Storia, quello romano. Sebbene il mito di Romolo e Remo è tra i più conosciuti in Italia, la maggior parte degli artisti che lo dipinsero furono stranieri, segno che la grandezza della Roma antica fu ammirata tantissimo non solo dai romani, ma da tutti gli europei.  

Pieter Paul Rubens – Romolo e Remo

Un’esempio è il quadro di Rubens, mettendo in scena il ritrovamento di Romolo e Remo, in una ambientazione bucolica e pastorale. Nel quadro è raffigurato il momento in cui il pastore Faustolo a destra, trova i due gemelli Romolo e Remo, allattati dalla lupa. Sulla sinistra si trovano due figure, il vecchio è la personificazione del fiume Tevere, mentre la donna è Rea Silvia, madre dei gemelli.

Lo sfondo è dominato dalla grande pianta di fico, richiamo al il famoso “Ficus Ruminalis” degli scrittori latini. Nel dipinto emergono tutte le caratteristiche stilistiche dell’artista. Rubens infatti unisce un raffinato uso del colore e del tonalismo, derivato dalla pittura veneta, ad una profonda conoscenza dell’arte classica.

Nicolas Mignard – Faustolo conduce Romolo e Remo alla moglie

Una delle scene successive al ritrovamento dei due gemelli, Romolo e Remo, è quella riprodotta da Nicolas Mignard. Il pastore Faustolo, dopo aver trovato i due gemelli insieme alla Lupa in mezzo al bosco, si dirige verso la sua casa per portarli al caldo. Qui incontrerà sua moglie Acca Larenzia, che ammaliata dalla bellezza dei due piccoli decise di adottarli e crescerli come propri figli. Insieme a lei una balia, e una vecchia.

Sulla capanna dei pastori, un particolare significativo: le colombe, simbolo di Venere che secondo la leggenda fu madre di Enea e quindi progenitrice di Romolo e Remo. I gesti ampi finalizzati a far sì che l’osservatore si concentri sui particolari principali della scena, il tutto in un’atmosfera radiosa e luminosa e in un paesaggio idilliaco che ricorda i paesaggi arcadici del tempo.

I fratelli Carracci – Affreschi Fondazione di Roma a Palazzo Magnani

Ma è a Bologna, negli affreschi di Palazzo Magnani, che si può ammirare il più completo e importate racconto pittorico della nascita di Roma, opera della bottega dei Carracci, Annibale, Agostino e Ludovico. Nei quattordici quadri sono ritratti mirabilmente le storie dell’antica Roma, nei quali si intravede il preludio al Barocco.

Essi raffigurano: Romolo e Remo allattati da una lupa, Remo si batte con i ladri di armenti, Remo in catene al cospetto di re Amulio, L’uccisione di Amulio, L’asilo per i profughi sul Campidoglio, Romolo traccia con l’aratro i confini di Roma, Il ratto delle Sabine, Romolo dedica a Giove Feretrio le spoglie del re Acrone, Battaglia tra Romani e Sabini, Tito Tazio ucciso dai Laurenti, Roma colpita dalla peste, Il vecchio capitano dei Veienti schernito, La superbia di Romolo, L’apparizione di Romolo a Proculo, Ludi lupercali.

Federica.

Pittore, scultore, disegnatore, incisore e ceramista, Joan Miró nacque il 20 Aprile del 1893 a Barcellona. Viene considerato uno dei più importanti artisti spagnoli di sempre, legato alla corrente del Surrealismo.

Anche se la predisposizione artistica si manifesta sin da quando è ancora un bambino, la famiglia lo convince a studiare economia per lavorare come contabile in una drogheria. Continuerà questa carriera fino ai suoi 18 anni, in cui ebbe un esaurimento nervoso che lo portò a fargli cambiare vita. Per rimettersi in forze trascorse un periodo presso la fattoria di famiglia, un luogo che influenzerà molte delle sue opere.

Il primo avvicinamento al mondo dell’arte

Dopo la ripresa decide di dedicarsi completamente alla sua passione artistica, entrando nella Scuola d’arte di Barcellona. Qui si avvicina alla corrente artistica del Fauvisme, con la quale si dava la principale importanza al colore all’interno delle opere, abbandonando quindi la pittura tonale di stampo tradizionale.

Nel 1920 si trasferisce a Parigi, dove entra a far parte del circolo artistico dei pittori di Mont Martre, dove conobbe Pablo Picasso e il dadaista Tristan Tzara. Queste figure giocheranno un ruolo chiave nel suo percorso di formazione artistica. Dietro suggerimento del padre del surrealismo Breton, dà vita ad una pittura priva di effetti prospettici con forme in piena libertà.

Il più Surrealista dei Surrealisti

Durante il suo periodo surrealista (1924-1930) si convince del ruolo sociale dell’arte e della sua capacità di raggiungere le masse. Ecco perché sfruttando la sua arguzia e uno spiccato senso dell’umorismo, dipinge apponendo sulla tela le sue iscrizioni poetiche. Di questo periodo è il famoso dipinto Il carnevale di Arlecchino.

Questo lo porta ad essere considerato il più fervente esponente del Surrealismo, al punto che André Breton, fondatore di questa corrente artistica, lo descrive come “il più surrealista di noi tutti”. Ha infatti palesato il suo disprezzo per la pittura convenzionale dichiarando che andrebbe “stuprata, uccisa e assassinata”.

La poetica surrealista

Le opere di Miró hanno un aspetto onirico e allucinatorio grazie all’impiego di colori forti e decisi come il giallo, il nero, il rosso o il blu. È fatta di forme essenziali, sempre più astratte caratterizzate da tratti e linee di colori crudi e piatti. Esse vennero caratterizzate da sfondi geometrici e colori omogenei, da immagini fantastiche, fantasiose e umoristiche, contorte nel tratto e nel significato.

Grande sperimentatore e artista eclettico, usò ogni tipo di materiale come base per i suoi lavori: tele, cartoni, masonite, pezzi di ferro. Secondo lui tutto ha dignità per poter divenire opera d’arte. La sua creatività non si esprime solo attraverso la tecnica del dipinto ma anche per mezzo di collage, sculture, monumenti, litografie, ceramiche, scenografie, arazzi ecc.

Federica.

Giovanni Antonio Canal, detto Canaletto, pittore e incisore, morì il 19 Aprile del 1768, all’età di 70 anni. Conosciuto come il caposcuola dei vedutisti veneti del Settecento, nei suoi quadri introdusse una rappresentazione topografica di architettura e natura, data dall’attenta resa atmosferica, dalla scelta di precise condizioni di luce e da un’indagine scientifica di oggettività. Per dipingere le sue opere usava talvolta della camera ottica.

Canaletto nasce a Venezia nell’ottobre del 1697 da una famiglia borghese veneziana. La sua passione per la pittura nasce grazie al padre, che possiede un’atelier di pittura di scenografie teatrali. Apprende le nozioni e impara a dipingere decorazioni sceniche per gli allestimenti di opere teatrali a Venezia.

Primo approccio al Vedutismo

Intorno al 1719, si trasferì a Roma con il padre e il fratello, per realizzare le scene di due drammi di Alessandro Scarlatti. Questo viaggio fu importante perché entrò in contatto con il Vedutismo. Incominciò infatti a dedicarsi alle vedute di paesaggio, venendo fortemente influenzato da artisti come Codazzi, Cequozzi e Ghisolfi, per la pittura di rovine e fantastiche antichità romane.

Ritornato a Venezia, Canaletto prende relazioni con i vedutisti della città quali Luca Carlevarijs e Marco Rossi, iniziando a dipingere a tempo pieno. Ben presto andò elaborando uno stile personale che, pur essendo profondamente radicato nella cultura veneziana, lo portò ad ottenere il favore di un pubblico internazionale.

Le commissioni internazionali

Tra il 1722 e il 1723, infatti lavora per il futuro console e mecenate inglese Joseph Smith con lavori che vanno a impreziosire le residenze inglesi. Fu un personaggio decisivo per la sua carriera in quanto lo introdusse nell’ambiente dei ricchi e raffinati collezionisti inglesi. Successivamente fu ingaggiato dall’impresario irlandese Owen McSwiney.

Il mondo anglosassone divenne fondamentale per Canaletto sia per la direzione rococò nell’ambiente artistico veneziano, sia per il nuovo mercato. Ma dal 1740, a causa della guerra di Successione Austriaca il suo mercato si ridusse a causa dei pochi visitatori inglesi, che visitavano la città veneziana. Perciò qualche anno dopo decide di recarsi a Londra con una lettera di presentazione per il Duca di Richmond, già cliente del Maestro.

Le tecniche del vedutismo

Intanto, anche in patria, il Canaletto elevò il Vedutismo ad una vera e propria corrente artistica che rispecchiava il gusto rappresentativo dell’Illuminismo europeo, al pari della pittura di storia e di figura. Nelle sue opere dipinge vedute raffiguranti paesaggi urbani, che sono principalmente quelli della sua città. Erano una rappresentazione topografica di architettura e natura, data dall’attenta resa atmosferica, dalla scelta di precise condizioni di luce e da un’indagine scientifica di oggettività.

Inoltre si avvaleva di valori assoluti della prospettiva, ottenuta con l’uso della camera ottica, uno strumento che proietta l’immagine della realtà su uno schermo di carta oleata in modo da poter poi procedere al ricalco. Dal suo trasferimento a Londra, appartengono le vedute del Tamigi e della campagna inglese dipinte per l’alta aristocrazia locale. 

Ultimi anni

Dopo il decennio inglese, il ritorno definitivo a Venezia corrispose con la fase di declino della fortuna dell’artista. Egli dipinse ancora alcuni capolavori come due suggestivi e rari notturni, continuando a sperimentare effetti luministici e prospettici degli ambienti veneziani. Però con il tempo progressivamente si andò a isolare dall’ambiente artistico e da quello mondano, fino alla morte che lo colse nel 1768, nella sua casa di San Lio.

Federica.

Ricordiamo oggi l’artista francese Gustave Moreau, nel giorno della sua morte avvenuta il 18 Aprile 1898. Attivo nel corso dell’Ottocento e considerato l’anticipatore della poetica Simbolista, sprofondando negli abissi del sogno e nei miasmi dell’inconscio. La sua arte si potrebbe definire perturbante, in quanto colpisce non solo gli spettatori ma anche gli artisti a lui contemporanei.

Fin da giovane, grazie agli interessi del padre architetto, ha modo di studiare in un’ampia biblioteca avvicinandosi non solo ai capolavori della letteratura occidentale ma anche alla cultura umanistica classica. Scoprì l’interesse per Ovidio, Dante Alighieri, Leonardo da Vinci, Vitruvio e Leon Battista Alberti, così come alla pittura italiana. Questo suo interesse culminò in un viaggio in Italia nel 1857, dove visitò Roma, Firenze e Venezia, dove entrò in contatto con l’arte classica.

Le influenze delle prime opere

Ritornato però in Francia si affidò al suo maestro spirituale e pittore Theodore Chasseriau che, con grande forza coloristica, coniugava il Romanticismo alla pittura storica e biblica. Nel 1850 realizza Autoritratto all’età di ventiquattro anni, Amleto, La Chimera e Due moderne amazzoni. Con queste opere fu considerato il precursore del movimento Simbolista, in quanto testimone della cultura decadente nella sua vita e nelle sue opere.

Si dedicò allo spirito e alla rappresentazione degli aspetti più oscuri e sconosciuti dell’animo umano, utilizzando colori vivi e chiaroscuri dorati, dal forte impatto visivo e cromatico. I diversi temi come il mito classico, la Bibbia, la cultura cristiana e orientale, furono rappresentate con cura maniacale. Ogni opera era infatti preceduta da numerosi schizzi a matita, e ripetuta più volte in maniera ossessiva, tanto da alimentare le dicerie sul suo presunto uso costante di oppio.

Tra il mito e il simbolismo

Nel 1864 illustrò la scena di Edipo e la Sfinge, opera enigmatica che ottenne il plauso della critica ed il suo primo successo artistico. E’ proprio in quest’opera che la mitologia ebbe un ruolo determinante, in quanto unico modo per svelare l’inesprimibile.

Anche nell’opera Orfeo, viene spiegato il mito, attraverso un’atmosfera quasi surreale, ultra-terrena, dove il clima mistico ed onirico richiama alla meditazione, attraverso colori rarefatti e pennellate luminose. Tutti i dettagli richiamano al mito e alle allegorie, come i gusci di tartaruga in basso, simbolo della lira, oppure il gruppo di flautisti in alto, che rappresentano l’importanza della creazione artistica, in continua rinascita e mutamento. Caratteristiche che anticipano quel movimento artistico poi chiamato Simbolismo.

Il pittore di Salomè

Nel 1870 comincia a realizzare una serie di quadri che raffigurano la principessa giudaica Salomè, capace di incantare con le proprie movenze, il re Erode. Per la frequenza con la quale rappresentò l’iconografia in acquerelli, disegni e dipinti, ottenne il soprannome di Pittore di Salomè. Esempi sono: Salomè danza davanti a Erode e Salomè con la testa di Battista. Ma il più importante fu L’apparizione.

Nelle prime opere la principessa biblica è colta sempre nell’atto di sollevare sensualmente il braccio come se iniziasse a ballare da incantatrice. Nei dipinti successivi al 1872 la ragazza, invece, è raffigurata in prigione con una rosa in mano, mentre pensierosa attende la brutale esecuzione del Battista.

Lo stile delle opere tardive

Con il passare degli anni le sue composizioni diventano via via sempre più elaborate e complicate, questo dovuto anche ad un periodo tormentato in cui Moreau si sottopose a trattamenti terapeutici per la cura di malattie nervose. Le angolazioni, e i momenti cambiano per dare vita a un clima sensuale e mistico, attraverso un mix suggestivo di storia e mito.

Tra le trasfigurazioni fantastiche tipiche di questa tendenza vale la pena di citare le illustrazioni per le favole di Jean de La Fontaine, portate a termine nella prima metà degli anni Ottanta. Nel 1886 porta a termine La vita dell’umanità, e qualche anno più tardi si cimenta in San Giorgio, Giove e Semele, Fiore mistico, Poeta persiano, Abbozzo astratto, e La Parca e l’angelo della Morte.

Ultimi anni di vita

Diventato, nel 1891, professore all’Accademia di belle arti di Parigi, tra i suoi allievi ha Georges Rouault, Pierre-Albert Marquet ed Henri Matisse, vale a dire molti degli esponenti futuri del movimento dei fauves.

Moreau muore il 18 aprile del 1898 a Parigi, lasciando una grandissima eredità, ovvero il Museo Gustave Moreau, predisposto dallo stesso artista nella sua casa di Rue de la Rochefoucauld, che custodisce più di 1400 opere tra tele, acquerelli e schizzi.

Federica.

Francisco Goya, è stato un pittore e incisore spagnolo, la cui morte è datata il 16 aprile del 1828. Considerato il pioniere dell’arte moderna, è stato il più grande pittore spagnolo del suo tempo. Con le sue opere mostrò il lato oscuro della realtà, grazie alla sua capacità di ritrarre la drammaticità dell’esistenza umana con un realismo che colpisce violentemente lo spettatore.

Nasce a Fuendetodos, piccolo villaggio nei pressi di Saragozza, il 30 marzo 1746. Di famiglia appartenente alla piccola borghesia, frequenta per alcuni anni lo studio del pittore José Luzán Martínez. Si avvicino all’arte, e da lui apprese a dipingere imitando le opere di grandi maestri. Tuttavia, a quel tempo, l’arte del giovane Goya era poco accademica.

Primi lavori su commissione

Si spostò in tutta la Spagna, arrivando anche a studiare a Roma. Questi numerosi viaggi lo portarono ad assimilare le opere dei grandi maestri, come Francisco Bayeu, che lo aiutò ad entrare nei laboratori reali di Madrid. Qui ebbe il compito di realizzare i disegni preparatori per gli arazzi, circa 60, raffigurando scene di vita quotidiana. Decorò diverse residenze reali spagnole, ad esempio il palazzo di San Lorenzo del Escorial e il palazzo di El Pardo.

Questi primi lavori si rivelarono utili allo sviluppo artistico nella corte spagnola, tanto da essere nominato primo pittore reale ed eletto membro della Real Academia de Bellas Artes nel 1780. Grazie a queste nomine iniziò ad ottenere sempre più notorietà, soprattutto come ritrattista. Realizzò ritratti per il conte di Floridablanca, il principe Don Luis e il duca e la duchessa di Osuna.

I ritratti e i suoi iconici capolavori

Oltre ai ritratti si dilettò in una serie di capolavori che riflettono il suo stile e talento unici. Tra le opere più famose troviamo La Maja desnuda e La Maja vestida. Questi ultimi due dipinti sono iconici, soprattutto perché la Maja desnuda fu la prima figura femminile nella storia a mostrare i peli pubici, assolutamente scandaloso per l’epoca. Tanto che nel 1815, gli causò problemi con l’Inquisizione, ma ne uscì illeso.

Inoltre, realizzò una serie di dipinti il cui tema fu la Guerra spagnola. Un esempio furono i Disastri della guerra, come rappresentazioni della Rivolta del 2 maggio. Oppure ricordiamo i dipinti Il 3 Maggio a Madrid e Il 2 Maggio 1808, ispirati dagli orrori della guerra tra Spagna e Francia, e le conseguenti perdite di vite umane. I conflitti vengono ritratti in modo realistico, non c’è onore, né eroismo nei soldati, ma solo violenza e morte.

Le celebri pitture nere

All’età di 47 anni, l’artista contrasse una malattia alle orecchie che avrebbe influito sulla sua vita artistica e personale. Tale condizione di sordità lo portò ad isolarsi e comprarsi una casa soprannominata “dimora del sordo” dove vivrà gli ultimi anni della sua vita. Decorerà tutte le stanze della casa, realizzando quelle che oggi sono famose come “Pitture Nere”. Questa serie di 14 pitture murali nere, riprendono in modo realistico il mondo interiore dell’artista, distrutto dalla malattia.

Appaiono scene di stregoneria, esorcismi, volti deformati, allegorie, soggetti inquietanti ed angoscianti resi con tinte fosche e scure come catrame. Quattordici opere realizzate in preda a un sentimento di angoscia: violenza, guerra, follia, caos, presi a prestito dalle credenze popolari, dalle superstizioni e dai mostri interiori. alcuni esempi: Il sogno della ragione genera mostri, Saturno che divora un figlio, Cane interrato nella rena, Pellegrinaggio a san Isidro, Il sabba o il gran caprone.

Federica.