La Pasqua è la principale solennità del cristianesimo e celebra la risurrezione di Gesù, avvenuta, secondo le confessioni cristiane, nel terzo giorno dalla sua morte sulla croce. La data della Pasqua, variabile di anno in anno, cade la domenica successiva al primo plenilunio della stagione primaverile, determinando anche la cadenza di altre celebrazioni come la Quaresima e la Pentecoste.

Quest’anno, si festeggia il 4 Aprile, e si può definire Pasqua Media perché compresa tra il 3 aprile e il 13 aprile. In occasione della Pasqua, dunque, non potevo non ripercorrere le opere che hanno raccontato il momento più alto di questo mistero: la Resurrezione.  Di seguito elencherò le opere più belle e note dedicate a questo tema.

Giotto – Resurrezione e noli me tangere

Dipinto da Giotto nella Cappella degli Scrovegni a Padova, fa parte della serie delle Storie della Passione di Gesù. La scena mostra un doppio episodio: a sinistra l’evento della Resurrezione dove c’è il sepolcro vuoto con gli angeli seduti e le guardie addormentate. A destra, invece viene raffigurata la Maddalena inginocchiata davanti all’apparizione di Cristo trionfante sulla morte, con tanto di vessillo crociato, e il gesto del Salvatore che le dice di non toccarlo, pronunciando la frase latina Noli me tangere.

Piero Della Francesca – Resurrezione di Cristo

Fra le opere dedicate alla Pasqua, celebre è “La resurrezione di Cristo” di Piero Della Francesca. La scena si apre in una cornice che dà sulla scena, al cui centro vi è la figura di Cristo che si solleva dal sepolcro, solenne e sacrale, con il vessillo crociato in mano. I soldati che dormono alla base del sepolcro, creano un contrasto con la divinità vigile. Sullo sfondo, il paesaggio ha una duplice visione a significare la continuità del ciclo della vita: di aspetto invernale e spoglio a sinistra, mentre rigoglioso e verde a destra.

Pinturicchio – Resurrezione di Cristo

Fa parte di una serie di opere decorative realizzate da Pinturicchio nei Palazzi Vaticani, e in particolare nelle stanze dell’Appartamento Borgia. Qui Cristo sorge dal sepolcro scoperchiato e si innalza in cielo con in mano sempre il vessillo crociato. La figura ha un atteggiamento sacrale, rigido, tipico dell’iconografia tradizionale, molto diverso dalla figura realistica e più terrena di Piero della Francesca. Dietro di lui vi è uno sfondo dorato a raggiera, per conferirgli ancora più sacralità. Ai piedi del Cristo, vi sono i soldati e anche la figura di Papa Alessandro VI Borgia, inginocchiato.

Raffaello Sanzio – Resurrezione di Cristo

Di colori molto più vivaci è l’opera di Raffaello, grande maestro del Rinascimento. Al centro del quadro campeggia la figura del Cristo che si solleva da sepolcro aperto e ascende al cielo. Sempre raffigurato con il vessillo crociato in mano, e una piccola aureola intorno alla testa. Le figure iniziano a mostrare una maggiore plasticità rispetto al modello del Pinturicchio. Inoltre c’è una maggiore ricchezza di dettagli e di gesti differenti, che rendono i personaggi più vivi, realistici, naturali.

Caravaggio – Incredulità di San Tommaso

Diverso dalle opere precedenti è il dipinto di Caravaggio. Non abbiamo la classica iconografia religiosa della resurrezione ma raffigura il momento in cui l’apostolo San Tommaso rimane incredulo alla vista di Gesù Cristo risorto. Caravaggio riesce a riprodurre fedelmente il momento in cui l’apostolo ispeziona il costato di Cristo, infilando un dito nella ferita, sotto la vista di altri due apostoli, che osservano la scena. Ovviamente l’estremo realismo e l’illuminazione cupa tipicamente caravaggesca, non mancò di scandalizzare il pubblico.

Federica.

Nato il 3 aprile del 1947, Giuseppe Penone è un artista e scultore italiano, esponente della corrente dell’arte povera. Per la sua ricerca artistica incentrata sulla natura e i suoi processi di trasformazione, viene considerato uno scultore e un artista concettuale italiano.

Nato a Garessio in provincia di Cuneo, si trasferì sin da giovane a Torino, dove si formò all’Accademia di belle arti. Qui conobbe molti artisti famosi tra cui, Giovanni Anselmo Anselmo e Michelangelo Pistoletto, con i quali entra a far parte del movimento dell’arte povera nel 1967.

Il rapporto mutevole tra uomo e natura

Nel 1970 inizia a indagare sul rapporto tra il corpo umano e l’ambiente esterno. Sin dal suo esordio artistico, infatti la sua ricerca gira attorno al rapporto uomo-natura. L’uomo attraverso la conoscenza sensoriale acquisisce una coscienza empirica ed intuitiva dell’Universo e delle leggi che ne regolano accrescimento e decadenza. La natura è così percepita, come un processo organico di mutazione della forma.

La sua Arte non è pura presenza, ma continua trasformazione. L’oggetto non si pone inerme davanti all’osservatore, ma si arricchisce del soffio vitale che lo ha percorso, del fuoco che lo ha modellato, della mano che lo ha tracciato. La forza concettuale delle sue opere non si ferma alla modellazione della forma, ma si estende a quella della parola, mediante la quale arricchisce di significati ulteriori la sua ricerca.

La sua visione artistica

La concezione mutevole del mondo nella sua relazione con l’arte porta Penone ad esprimersi, sul foglio, passando dal segno grafico alla parola e, nello spazio, dalla materia inorganica a quell’organica. La storia della materia, dei legni, delle terre, dei bronzi, delle terrecotte, anima sempre le opere di Penone.

Successivamente entra in sintonia con le tendenze della body art, realizzando opere sulla propria pelle. E’ proprio nell’epidermide umana, che Penone individuo la superficie di confine tra l’“io” interno e il mondo. Deriva da qui l’uso del calco e del frottage, che permettono all’artista di partire da una semplice impronta, rafforzata successivamente con il disegno.

Mostre importanti

Le opere di Penone hanno varcato le porte dei più prestigiosi musei del mondo, tra cui il Solomon R. Guggenheim Museum di New York, la Tate Gallery di Londra, la Kunstalle di Basilea, lo Stadelijk Museum d’Amsterdam, il Centre Georges Pompidou di Parigi.

Federica.

Max Ernst nasce a Brühl, in Germania il giorno 2 aprile del 1891. E’ conosciuto come pittore e scultore tedesco, ma trapiantato in Francia, nello specifico a Parigi, per tutta la sua vita. Viene considerato uno dei maggiori esponenti del Surrealismo, pioniere della tecnica pittorica del grattage e del frottage.

Si iscrisse nel 1909 alla facoltà di filosofia dell’università di Bonn, dove studiò una vasta gamma di materie come filosofia, psicologia, psichiatria, letteratura e storia dell’arte. Come studente di psichiatria, e studioso d’arte, furono i detenuti e i malati di mente ad affascinare l’artista in lui.

La sua esperienza Dadaista

Nella sua vita ebbe modo di entrare in contatto con personaggi di spicco, come lo scrittore francese Guillaume Apollinaire, i pittori Robert Delaunay e August Macke, con il quale strinse una profonda amicizia. Grazie ad esso si unisce al gruppo di artisti Die Rheinische Expressionisten di Bonn. Fu proprio in quel momento che decise di diventare un artista professionista, iniziando ad esporre le sue opere in diverse mostre.

Visitare la mostra di Sonderbund a Colonia nel 1912 fu un altro importante evento nella vita di Max Ernst. Qui osservò opere di grandi artisti come Pablo Picasso, Vincent van Gogh e Paul Gauguin, che influenzarono profondamente il suo approccio all’arte. Tuttavia, la sua vita artistica fu interrotta allo scoppio della Prima Guerra Mondiale nel 1914, perché venne arruolato e mandato a combattere.

Il Surrealismo

Dopo la guerra, nel 1919, andò a Monaco e studiò i dipinti di Giorgio de Chirico, colui che fondò il movimento artistico della Metafisica grazie ad una profonda influenza del Surrealismo. Nello stesso anno Ernst intraprese il movimento artistico chiamato Dada, creando i suoi primi collages, nei quali convivono oggetti e figure diverse, dando vita a situazioni ambigue e surreali.

Sia la scoperta di De Chirico, che lo studio universitario sulla psicoanalisi di Freud e i malati mentali, contribuirono in modo importante alla definizione del Dadaismo di Ernst. Sulla base di questo movimento, fonda un gruppo a Colonia insieme ad altri artisti del periodo. Insieme ai componenti del gruppo, nel 1920, realizza uno dei più scandalosi happenings mai realizzati dai dadaisti.

L’invenzione di nuove tecniche

Nel 1926 lascia il movimento dadaista per dedicarsi esclusivamente al Surrealismo, al quale si appassiona in modo crescente, dandone un’interpretazione estremamente personale. Nello stesso periodo sviluppò delle nuove pratiche artistiche: la prima è il frottage, una tecnica di disegno e pittura basata sul principio dello sfregamento, che si avvicina alla decalcomania; la seconda è il grattage, consiste nel grattare con vari strumenti la pittura ancora fresca sulla tela.

Esplorando sempre più a fondo il mondo dell’irrazionale e del mistero innovativo, da vita alla serie dei romanzi-collages, le cui tavole venivano realizzate da Ernst con collage di immagini ricavate da opere scientifiche, enciclopedie mediche, cataloghi e racconti illustrati.

Ultimi anni di carriera

Quando scoppiò la Seconda Guerra Mondiale nel 1939, Ernst fu dichiarato straniero indesiderato e internato al Camp des Milles. Fortunatamente, con l’aiuto dei suoi amici, riuscì in qualche modo a raggiungere gli Stati Uniti. Qui, continuò con le sue opere artistiche e contribuì a sviluppare l’espressionismo astratto, una forma d’arte basata sul surrealismo.

Questo fu anche l’anno, nel quale iniziò a sperimentare la scultura. Proprio come nei dipinti, Ernst utilizzava mezzi improvvisati per creare magnifici oggetti d’arte. Inoltre, ha continuato a creare meraviglie attraverso il disegno, la pittura, i collage e le litografie.

Federica.

Il pesce d’aprile indica una tradizione, seguita in diversi paesi del mondo, che consiste nella realizzazione di scherzi da mettere in atto il 1º aprile. Gli scherzi possono essere di varia natura, con lo scopo bonario di burlarsi delle vittime di tali scherzi. Non è chiaro cosa c’entri il pesce con gli scherzi e con il primo di aprile, ma ovviamente sulla questione sono state proposte diverse teorie.

La denominazione farebbe subito ai pesci che abboccano all’amo, come la “vittima” abbocca ad uno scherzo. In realtà, la nascita del Pesce d’Aprile sarebbe legata a varie leggende. Una teoria tra le più accreditate colloca la nascita della tradizione prima dell’adozione del Calendario Gregoriano, avvenuta nel 1582. Infatti si celebrava il Capodanno tra il 25 marzo e il 1º aprile, occasione per scambiarsi doni. Oggi, il 1° Aprile si donano pacchi regalo vuoti volendo scherzosamente simboleggiare la festività ormai obsoleta.

La figura simbolica del pesce

Ovviamente il pesce, simbolo degli scherzi del 1° Aprile è puramente simbolico, ma come simbolo verrà da sempre utilizzato negli anni come rappresentazione di questa festività. Anche nella storia dell’arte, venne utilizzato molto il tema del pesce, a partire dall’antico Egitto. Il disegno dell’animale acquatico veniva utilizzato per decorazioni parietali all’interno delle tombe egizie. Così come i Cretesi, li dipingevano per decorare i vasi di ceramica.

I Greci, abili pescatori, realizzarono un piatto apposito per mangiare il pesce, con la tecnica a figure rosse su sfondo nero. Così come nei mosaici romani, nei quali si distinguono decine di specie diverse, attraverso dettagli delle squame e delle pinne.

Con l’avvento del Cristianesimo, il pesce riappare sulle tombe in forme stilizzate, questa volta per simboleggiare Cristo, simbolo che deriva dal nome greco del pesce (ICHTYS) che corrisponde alla frase “Gesù Cristo figlio di Dio Salvatore”. La sua immagine fu legata agli episodi evangelici della chiamata dei pescatori, della pesca miracolosa e della moltiplicazione di pani e pesci. Fu per molti anche legato al simbolo del Battesimo.

Con l’arrivo del Rinascimento il pesce scompare quasi del tutto, in quanto l’interesse si concentrò più sulla figura umana, sacra o mitologica. Rimane sono qualche eccezione come offerta a Maria, nel celebre capolavoro di Raffaello, La Madonna del Pesce o l’Acqua di Giuseppe Arcimboldo.

La figura del pesce ritornerà nell’arte solo nel ‘600, attraverso la Natura morta. Con opere di puro realismo, gli artisti riuscirono a riprodurre fedelmente frutta, verdura, fiori e nel nostro caso anche il pesce. Le rappresentazioni testimoniava la ricchezza del committente e la complessità della tradizione culinaria del paese da cui venivano, e questo vale in particolar modo per l’Italia.

Nel Novecento la tradizione della natura morta si interrompe. Escono fuori artisti stranieri come Gustave Klimt che realizzerà l’opera Goldfish, paragonando la figura del pesce a quella di una donna. L’opera, di sapore simbolista ed erotica, è dominata dalle schiene nude di donne, simili a sirene sensuali, con atteggiamento provocante.

Solo negli ultimi decenni il pesce è tornato alla ribalta, ma in forme completamente nuove. Non più all’interno di quadri e affreschi ma come grandi sculture e installazioni, oppure fotografie moderne. Negli ultimi anni, la figura acquatica viene spesso realizzata con materiali di scarto quasi a volerci dire che anche quello che consideriamo spazzatura, può continuare a generare bellezza.

Federica.

Vincent Van Gogh nacque il 30 marzo 1853. Fu considerato il pioniere dell’arte contemporanea, padre dell’Espressionismo ed emblema dell’artista tormentato. E’ un pittore geniale, folle, visionario, le cui opere sono intrise di una forza che erompe dalla tela per colpire occhi e cuore dello spettatore.

Figlio di un pastore protestante, Vincent durante la scuola imparò per la prima volta a dipingere, eseguendo i suoi primi disegni. Terminati gli studi, iniziò a lavorare come impiegato nella casa d’arte parigina Goupil e Cie, successivamente nelle sedi dell’Aja di Londra e di Parigi. Nel maggio del 1875 viene definitivamente trasferito a Parigi.

Il suo primo approccio alla pittura

Il trasferimento a Parigi, segna l’inizio del periodo francese, grazie al quale scoprì la pittura impressionista e approfondì l’interesse per l’arte e le stampe giapponesi. Ebbe modo di conoscere molti pittori tra cui Paul Gauguin che apprezza particolarmente. Importanti anche le amicizie con Monet, Renoir, Degas, Pisarro, Sisley e i pointillistes Seurat e Signac.

All’insegna della pittura si trasferì nei Paesi Bassi, luogo che contribuì alla realizzazione di circa duecento quadri e numerosissimi acquerelli e disegni. I temi ricorrenti furono operai, tessitori e contadini, immersi nel loro duro lavoro. Ad essi dedicò l’opera Mangiatori di patate, il capolavoro del suo periodo olandese.

La Provenza e le celebri opere

Nel 1888, si trasferisce ad Arles in Provenza, luogo fondamentale per la carriera e la vita di Van Gogh. Nella sua “Casa Gialla” realizza ben duecento dipinti come La sedia di Vincent, La camera di Vincent ad Arles, Il caffè di notte, Terrazza del caffè la sera, Place du Forum, Arles, oltre che la serie dei Girasoli.

Durante la prima parte dell’anno, lo stato di salute mentale di Vincent oscilla tra calmo e lucido, e forti allucinazioni e fissazioni. Questo stato di sofferenza si aggrava soprattutto durante la convivenza impossibile con Paul Gauguin, per la diversità dei caratteri e dalle differenti idee sull’arte. La loro sarà una relazione assi turbolenta, con esiti anche drammatici, come il famoso episodio del taglio dell’orecchio in seguito ad un litigio tra i due.

Ultimi anni di vita

Viene ricoverato nel manicomio di Saint Remy dove dipinge diverse tel, ben 140 dipinti. Come tema ritrae contadini e paesaggi caratterizzati dai luminosi vigneti o dagli uliveti grigio-argentei, come nell’opera Campo di grano. Sempre nello stesso periodo realizzò l’iconica Notte stellata, oltre a numerosi ritratti.

Dopo una serie incredibile di alti e bassi, sia fisici che emotivi e mentali, e dopo aver prodotto con incredibile energia una serie sconvolgente di capolavori, Vincent Van Gogh muore nelle prime ore del 29 luglio 1890, sparandosi in un campo nei pressi di Auverse. Il funerale ha luogo il giorno dopo, e la sua bara è ricoperta di dozzine di girasoli, i fiori che amava così tanto. 

Federica.

Muore all’età di 74 anni, il 27 Marzo del 1770, Giambattista Tiepolo, pittore e incisore italiano, cittadino della Repubblica di Venezia. È uno dei maggiori pittori del Settecento veneziano. Egli visse in un periodo storico-culturale particolarmente vivo, la cui formazione fu influenzata dalla diffusione dell’Illuminismo in tutta Europa.

Venezia, fu per lui importante, perché nella città ci nacque, visse e si formò. Meta per molti artisti europei, divenne un trampolino di lancio e stimolo culturale per la sua carriera. Qui entrò anche a far parte della bottega di Gregorio Lazzarini, artista veneziano, fondamentale per le sue opere, soprattutto legate alle committenze.

Prime committenze

Proprio nell’ambito delle committenze, Tiepolo fu un vero e proprio maestro nelle opere di iconografia celebrativa, peculiarità che gli venne proprio dagli insegnamenti del Lazzarini. La prima commissione importante avvenne nel 1724 con la decorazione del Palazzo Sandi a Venezia, riuscendo perfettamente ad interpretare gli insegnamenti del Lazzarini.

Con l’affresco il Trionfo dell’Eloquenza per l’avvocato Tommaso Sandi infatti, Tiepolo esaltò la virtù del suo committente, l’eloquenza: una delle peculiarità più importanti che un uomo di legge deve possedere. In quest’opera è evidente l’accostamento al linguaggio del Veronese, specialmente nella crescente trasparenza dei toni, e soprattutto per l’utilizzo delle ombre colorate.

Da Udine a Venezia

Appena un anno dopo, nella commissione per la decorazione del Palazzo Patriarcale di Udine infatti, i toni risultano essere maggiormente schiariti, attraverso l’utilizzo di colori complementari. Una peculiarità che dà vita a quell’effetto colore-luce che del Veronese costituì la principale caratteristica. Insomma, Tiepolo si avvicinò ad una reinterpretazione della pittura veronesiana, tanto da essere definito “Il Veronese redivivo”.

A Venezia realizzò inoltre una dei suoi massimi capolavori, ovvero la decorazione per la sala da ballo di Palazzo Labia. Nel soffitto, Tiepolo fece apparire Bellerofonte su un Pegaso alato mentre vola verso la Gloria e la Dignità, mentre le pareti furono arricchite da figure allegoriche dell’Incontro di Antonio e Cleopatra. Le storie che rappresenta diventano realtà grazie ad un narrazione frivola e spiritosa, attraverso una gamma di colori delicata, luminosa, ma allo stesso tempo vivace.

Opere all’estero

Nel 1750, decorò per il principe tedesco Karl Philipp, la sua Residenza a Würzburg. Nelle pareti della sala da pranzo diede vita alle Storie di Federico Barbarossa, dalle sue nozze all’Investitura del Vescovo Aroldo. La ricca cromia è stesa straordinariamente nelle vesti eleganti dei personaggi, così come nel cielo sullo sfondo. Tiepolo mostrò una maggiore familiarità con l’incorniciatura degli stucchi bianchi, utilizzata per creare ed enfatizzare degli splendidi effetti di trasparenza atmosferica.

Nel mentre, Carlo III re di Spagna non cessava di far pressione al Tiepolo per far sì che si recasse là a lavorare. Così, nel 1762, cominciò la decorazione per il Palazzo Reale di Madrid. Ormai anziano, per realizzare questi affreschi, si fece aiutare dai figli Lorenzo e Giandomenico. Sul soffitto della Sala del Trono, dipinge la Gloria della Spagna, ove, sotto una delle Caravelle di Cristoforo Colombo, possiamo leggerne l’anno di ultimazione: 1764.

Ultimi anni di vita

Nel 1770 Giambattista Tiepolo morì a Madrid, poco dopo aver terminato la decorazione del Palazzo Reale. La notizia della sua morte scosse profondamente la città di Venezia, ove Tiepolo non verrà mai dimenticato.

Federica.