Che cos’è la Libertà?  E’ la capacità di un individuo di agire, pensare, esprimersi, senza costrizioni o impedimenti esterni, scegliendo autonomamente i propri fini e mezzi. Consiste in uno stato di autonomia essenzialmente sentito come diritto, e come tale garantito da una precisa volontà e coscienza di ordine morale, sociale, politico.

La letteratura, il cinema, l’arte, ecc, nel corso della storia, hanno saputo rappresentare questa emozione producendo opere di grande bellezza. La storia dell’arte, ad esempio, è piena di artisti le cui opere altro non sono che la loro libera visione della vita. Ecco come la libertà viene rappresentata e addirittura suscitata negli occhi di chi guarda. Di seguito verranno elencate alcune delle opere più libertine realizzate fino ad oggi.

Eugène Delacroix, La libertà che guida il popolo, 1830

Appartenente al Romanticismo francese, Delacroix, nelle sue opere diede libero sfogo alla propria ispirazione, congliendo gli istanti in cui si decidono i destini degli uomini. Con il suo capolavoro assoluto, La Libertà che guida il popolo, Delacroix volle rendere omaggio alle tre giornate della rivoluzione parigina del 1830. E’ proprio il popolo, il protagonista del quadro, che si ribella alla sottomissione da parte del Re di Francia Carlo X.

I vari personaggi simboleggiano le diverse classi sociali, unite nella lotta contro il tiranno. Al centro vi è una giovane donna dal seno scoperto che regge il tricolore francese ed una baionetta. Essa rappresenta l’allegoria della Libertà, intenta a guidare il popolo di Parigi alla rivolta. Quest’opera, animata da passione, è colma di impeto e d’irruenza emotiva. L’artista trasformò l’omaggio al moto insurrezionale francese, in un inno universale alla libertà dell’uomo.

Frédéric Auguste Bartholdi, Statua della libertà, 1886

A realizzare la famosissima Statua della Libertà newyorkese, fu l’artista francese Bartholdi aiutato dal celebre Gustave Eiffel per gli elementi di acciaio. Infatti, quest’opera fu un dono che la Francia fece agli Stati Uniti in occasione del centenario dell’Indipendenza Americana. La statua raffigurante Libertas (la dea romana della libertà), tiene in mano una fiaccola accesa, simbolo del fuoco eterno della libertà.

Si scelse questo tema per rendere omaggio alla nazione che ha combattuto per l’indipendenza, arrivando all’abolizione della schiavitù. Ecco come anche la raffigurazione delle catene spezzate rimanda al segno di libertà. Inoltre sul suo piedistallo, vi è inciso un sonetto della poetessa Emma Lazarus, in omaggio a tutte quelle persone povere, afflitte, perseguitate, costrette a lasciare la propria terra. Si tratta quindi un inno alla libertà e a una nuova vita.

Giuseppe Pellizza da Volpedo, Il quarto Stato, 1901

Pellizza da Volpedo realizza l’opera Il Quarto Stato, in omaggio alle rivendicazioni della classe lavoratrice, formata da operai contadini e artigiani. Anche il titolo dell’opera, si riferisce ad un termine utilizzato durante la rivoluzione industriale ottocentesca. In essa vi è rappresentata la folla che avanza con grande determinazione, fierezza e la volontà di rivendicare i propri diritti. La massa di scioperanti quindi è in cerca di libertà.

Davanti al corteo vi sono: un uomo anziano, un giovane e una donna con in braccio il suo bambino. Questi tre personaggi, con gran significato simbolico e politico, rappresentano le componenti della classe sociale più umile dell’epoca. Vestiti con abiti poveri ma dignitosi, gesticolano visivamente come per rivendicare le proprie istanze. Con quest’opera, l’artista, volle stimolare tutti coloro che subiscono ingiustizie, a ribellarsi per migliorare le proprie condizioni sul posto di lavoro ed sentirsi liberi.

Marcel Duchamp, Fontana, 1917

A differenza delle opere precedenti, di gran significato politico e sociale, nell’opera di Duchamp si fa riferimento ad un altro tipo di libertà. Conosciuto come uno degli artisti più importanti del movimento dadaista, seguì l’idea di non avere programmi, ed essere quindi libero da ogni convezione e limitazione. Liberare la mente, rompere le regole, non fermarsi alle apparenze, insegnare agli occhi ad osservare e non solo a vedere è possibile.

L’opera Fontana fu l’esempio perfetto di quello che venne definito “ready-made” dadaista, cioè un oggetto comune trasformato dall’artista in opera d’arte. Ovviamente tutti ne presero le distanze sostenendo che un orinatoio, legato agli scarti del corpo umano, non potesse essere considerato un’opera d’arte e che fosse semplicemente indecente. La serialità di un oggetto comune così semplice, viene arricchita dall’artista con una firma “R.Mutt 1917” e resa quindi unica.

Zenos Frudakis, Freedom, 2001

Freedom è una bellissima scultura in bronzo realizzata dall’artista Frudakis, situata a Philadelphia. Essa rappresenta la lotta dell’individuo per la conquista della libertà, attraverso il processo creativo. Secondo l’artista, tutti hanno bisogno di uscire da una lotta interiore o di una circostanza contraddittoria, e di essere liberi. Lo scultore, infatti, rappresenta i quattro stadi della libertà umana fino ad arrivare alla conquista vera e propria di quest’ultima.

La prima figura quasi inesistente, legata alla base, è simbolo di una libertà prigioniera della società. Nella seconda si vede l’inizio di un percorso di liberazione, cercando di ottenere la propria identità, staccandosi pian piano dalle restrizioni. La terza figura, con il braccio in avanti e la mano aperta quasi a toccare il mondo, rappresenta la forza dell’individuo nel conquistare la Libertà fino alla sua vittoria: quest’ultima presente nella quarta figura, gioiosa ed entusiasta. Ed è proprio nell’ultima figura, con le braccia aperte verso il cielo, che ognuno di noi si deve identificare.

Federica.

Che cos’è la Violenza? E’ una forma di interazione sociale, condotta con l’intenzione di infliggere un danno o altre spiacevoli conseguenze a un altro individuo. Consiste in una tendenza istintiva, ipotizzata come causata da minaccia e attacco, e considerata come provocata da situazioni conflittuali o da frustrazione.

La letteratura, il cinema, l’arte, ecc, nel corso della storia, hanno saputo rappresentare questa emozione producendo opere di grande bellezza. La storia dell’arte, ad esempio, è piena di artisti le cui opere altro non sono che la loro violenta ed aggressiva visione della vita. Ecco come la violenza viene rappresentata e addirittura suscitata negli occhi di chi guarda. Di seguito verranno elencate alcune delle opere più violente realizzate fino ad oggi.

Duccio di Buoninsegna, La strage degli innocenti, 1308-11

La Strage degli innocenti, è un episodio raccontato nel Vangelo, che tratta del massacro di bambini per ordine di Erode il Grande, re della Giudea. Informato dai Magi della nascita di Gesù, e temendo che il neonato potesse rubargli il potere, commissionò la morte di tutti coloro che per età potessero essere Gesù.

Duccio di Buoninsegna, cercò di riprodurre uno degli atti più cruenti e violenti mai accaduti. Si noti, in particolare, il mostruoso dettaglio degli aguzzini che infilzano le spade nei corpi dei bambini indifesi insanguinati, sotto lo sguardo terrorizzato e turbato delle madri. Il sincronismo nell’affondare le lame mostra tutta la loro violenza verso quei piccoli innocenti.

Gerard David, Il giudizio di Cambise, 1498

David, in questa tavola, basandosi su un racconto di Erodoto, raffigura il giudizio del Re Cambise di Persia nei confronti di un giudice corrotto di nome Sisamne. Il Re in persona è presente all’arresto, condannandolo alla scuoiazione da vivo.

L’opera Il giudizio di Cambise, è una vera ed accurata lezione di anatomia, che si presenta agli occhi dell’osservatore descritta con fredda ed esemplare crudeltà. Al centro è presente il giudice corrotto su un tavolo, circondato dai barbieri di corte, che scorticano interamente la sua pelle, scuoiata e tagliata a strisce. La violenza del quadro è impressionante e secondo gli ideali del tempo aveva anche un forte valore educativo.

Pomarancio, Il Martirologio nella Basilica di Santo Stefano Rotondo – 1580

Nella Basilica romana di Santo Stefano Rotondo al Celio, Niccolò Circignani detto il Pomarancio, ricevette l’incarico di affrescare il muro che chiudeva l’ambulacro. Essendo la Basilica dedicata al primo martire della cristianità, si pensò di realizzare il cosìddetto Martirologio tra gli intercolunni del primo giro di colonne.

Questa sequenza di scene è una fedele rappresentazione dello spirito ammonitrice della Controriforma. Sono 34 riquadri affrescati raffiguranti i supplizi e le atrocità a cui furono sottoposti alcuni martiri cristiani. Questo panorama di orrore e violenza ripercorre la storia della chiesa iniziando dalla Strage degli Innocenti, continuando con la Crocifissione di Gesù, a cui segue il martirio di Santo Stefano, con sullo sfondo le raffigurazioni dei supplizi degli Apostoli. 

Giuseppe Vermiglio, Gioele e Sisara, 1621

Nell’opera di Vermiglio, vi è raccontata la vicenda dell’eroina biblica Giaele, si trova ad affrontare il generale di un esercito nemico, Sisara. Il comandante cananei, viene ospitato da Giaele nella sua tenda per giacere con lei, ma viene ingannato e ucciso.

Nell’opera Giaele e Sisara, vi è la rappresentazione dell’uccisione del comandante con un grosso chiodo appuntito che la donna gli conficca nella sua tempia. Questo tema venne ripreso da molti artisti, ma l’opera del Vermiglio si distingue per violenza e brutalità, soprattutto perché ci mostra tutta l’aggressività della donna e tutta la sofferenza dell’uomo attaccato.

Marina Abramovìc, Rythm 0, 1973

L’Abramovìc, ci ha sempre abituato a performance decisamente sopra le righe. Sotto il tema della violenza, ricordiamo l’opera Rythm0, dove lasció che la gente usasse il suo corpo come un oggetto. La performance, consisteva nel rimanere immobile per 6 ore, predisponendo su di un tavolo 72 oggetti da utilizzare sul suo corpo. 

Tra gli oggetti vi erano strumenti di piacere come piume, fiori ma anche oggetti letali come coltelli e pistole. La situazione è letteralmente degenerata quando le ferirono il collo con delle lame, abusarono sessualmente di lei, le puntarono una pistola in faccia. Lo scopo dell’opera fu dimostrare come la violenza sia capace di intensificarsi in situazioni favorevoli, contro un soggetto più debole. 

Federica.

Che cos’è l’Estasi? E’ uno stato di isolamento, innalzamento mentale ed evasione totale dalla realtà circostante dell’individuo completamente assorto su un unico oggetto. E’ uno stato psichico di sospensione che viene spesso associato alla teologia cattolica, il grado più alto dell’esperienza mistica.

La letteratura, il cinema, l’arte, ecc, nel corso della storia, hanno saputo rappresentare questa emozione producendo opere di grande bellezza. La storia dell’arte, ad esempio, è piena di artisti le cui opere altro non sono che la loro personale ed estatica visione della vita. Ecco come l’estasi viene rappresentata e addirittura suscitata negli occhi di chi guarda. Di seguito verranno elencate alcune delle opere più estatiche realizzate fino ad oggi.

Raffaello Sanzio, Estasi di S. Cecilia, 1516–1517

Questo dipinto di Raffaello rispecchia l’estasi di Santa Cecilia, nel momento in cui la santa lascia a terra l’organo volgendo lo sguardo agli angeli in cielo, emblema dell’amore divino. Questa azione simboleggia la rinuncia ai piaceri della vita terrena, dei strumenti musicali rotti e buttati a terra, per dedicarsi totalmente alla vita celeste.

La santa viene rappresentata con lo sguardo assente e rivolto verso l’alto, a supporre che sia l’unica del gruppo a udire le melodie celestiali intonate dagli angeli sopra di lei. Da notare è l’assenza, in un momento di così grande importanza, di alcun simbolo divino, come la croce. La capacità innovatrice e dirompente di Raffaello, infatti, dimostrano come secondo lui la divinità non appare agli occhi, ma al cuore della santa Cecilia, così come la musica non risuona materialmente al suo orecchio, ma solo nella sua anima.

Caravaggio, Maria Maddalena in estasi, 1606

L’opera attribuita a Caravaggio mostra Maria Maddalena in estasi, attraverso una rappresentazione che si discosta dalla tradizione religiosa per lasciare spazio totalmente al realismo cruento caravaggesco. Ecco che appare il corpo di una donna in estasi sorgere dal buio e prendere forma in virtù di una luce abbagliante provenire dall’alto. Quella luce utilizzata sempre da Caravaggio per indentificare il divino, la luce di Dio.

La testa abbandonata all’indietro, gli occhi semichiusi, la bocca appena aperta, le spalle scoperte, le mani giunte, i capelli sciolti, dimostrano come Caravaggio non attinge al repertorio tradizionale per la rappresentazione dell’estasi. La giovane poco più che adolescente, infatti, non viene dipinta in vesti da santa, come nel quadro preso in analisi sopra, ma appare come una semplice donna che si accascia, quasi per la stanchezza.

Gian Lorenzo Bernini, Estasi di S. Teresa, 1647-52

L’episodio mistico descritto dalla santa questa volta appare sotto gruppo scultoreo realizzato dal Bernini all’interno della Chiesa romana di Santa Maria della Vittoria. Nota anche come Transverberazione di Santa Teresa d’Avila, dal latino “trans verberare”, cioè trafiggere. Secondo l’interpretazione mistica cattolica, Cristo o un angelo trafiggono fisicamente con un oggetto affilato il cuore del fedele. 

Ecco perché scolpito appare un Cherubino che scaglia un dardo per colpire al cuore la Santa sotto di lei. Santa Teresa semidistesa sopra una nuvola che la trasporta nel cielo, completamente abbandonata e con gli occhi rivolti al cielo e le labbra socchiuse. Indossa un abito ampio e vaporoso mosso dal vento, le cui pieghe sono attentamente scolpite da Bernini con estrema maestria.

Domenico Guidi, Estasi di S. Filippo Neri, 1691

La statua dell‘estasi di San Filippo Neri, scolpita dal Guidi, fu destinata alla decorazione dell’altar maggiore della chiesa oratoriana di Genova. In terracotta rossastra mostra il santo che si erge, con instabile equilibrio, su un piedistallo aereo formato da nuvole vorticose.

Il Neri venne riprodotto nel momento intenso del rapimento mistico, con le braccia aperte, la testa piegata all’indietro e lo sguardo rivolto al cielo, secondo quella che fu l’iconografia tradizionale religiosa. Nel gruppo scultoreo il Neri è sorretto da un angelo alato mentre un putto, seduto ai suoi piedi, solleva la mano destra per porgergli un giglio.

Marina Abramovìc, Homage to Saint Therese, 2020

Completamente diversa dagli artisti sopracitati, l’Abramovìc è un’esponente dell’arte performativa. Il suo lavoro esplora le relazioni tra l’artista e il pubblico, e il contrasto tra i limiti del corpo e le possibilità della mente. Ecco come proprio in quest’anno a Napoli, realizza questa performance artistica dove il personaggio principale è se stessa.

Presenta un ciclo di video intitolati “Omaggio a Santa Teresa” con il quale l’artista, inpersonifica la santa. Vestita di un abito monastico nero, interpreta fluttua in cielo sollevando braccia e gambe a formare una croce. Basandosi proprio su quelli che furono i diari della santa, che narrano come essa ebbe visioni ed estasi mistiche proprio in cucina.

Federica.

Che cos’è la Vendetta? E’ un desiderio di farsi giustizia generato da un impulso volitivo che segue al rancore o al risentimento. E’ un danno materiale o morale inflitto privatamente ad altri per pareggiare un danno o un oltraggio subìto. Ne esistono varie tipologie: vendetta in seguito a sofferenze, vendetta in seguito a torti, vendetta per onore, vendetta psicotica.

La letteratura, il cinema, l’arte, ecc, nel corso della storia, hanno saputo rappresentare questa emozione producendo opere di grande bellezza. La storia dell’arte, ad esempio, è piena di artisti le cui opere altro non sono che la loro personale e vendicativa visione della vita. Ecco come la vendetta viene rappresentata e addirittura suscitata negli occhi di chi guarda. Di seguito verranno elencate alcune delle opere più vendicative realizzate fino ad oggi.

Michelangelo, Cappella Sistina, 1508-1512

Conosciamo tutti Michelangelo Buonarroti, per la grandiosità delle sue pitture e sculture. Ma in pochi sanno, che ha anche un aspetto vendicativo verso le antipatie e i critici. Un esempio eclatante di questo aspetto, lo possiamo notare in un dettaglio dell’affresco della famosissima Cappella Sistina.

Si disse che punì il cerimoniere papale Biagio da Cesena, per aver rivolto aspre critiche all’opera e ai suoi corpi nudi affrescati. La vendetta verso quest’ultimo, fu di inserirlo all’interno dell’affresco del Giudizio Universale, mettendo il suo volto sul corpo del Minosse. Ecco che il cerimoniere del Papa, fu ritratto imprigionato da grossi serpenti.

Artemisia Gentileschi, Giuditta e Oloferne, 1598

Artista la cui grinta e determinazione le permisero di essere una delle più grandi pittrici del mondo artistico seicentesco, dominato unicamente da uomini. La forza di questa donna deriva da un forte senso di riscatto. Questo lo si può notare nell’opera Giuditta e Oloferne.

La storia biblica di Giuditta e Oloferne racconta che la donna liberò la sua città assediata dagli Assiri, uccidere il generale assiro Oloferne. Oltre tale punizione, questo quadro rispecchia la vendetta personale dell’artista. Infatti secondo gli studiosi, la decapitazione di Oloferne potrebbe contenere dei riferimenti della violenza sessuale subita dal pittore Agostino Tassi. Ecco come Artemisia Gentileschi si vendicò del suo stupratore.

Jacques-Louis David, la morte di Marat

Se nelle prime due opere vi è la rappresentazione di una vendetta verso torti e violenze, in questo caso nell’opera di Jacque-Luis David è ben proposta una vendetta per il potere. Nell’opera La morte di Marat, vi è un importante giornalista francese, che con l’avvenire della Rivoluzione Francese, cominciò ad interessarsi alla situazione e avere pensieri fortemente radicali.

Marat, unitosi ai Giacobini, ne divenne il presidente. Scrisse articoli che divennero veri e propri inni alla rivoluzione, portando i cittadini ad attaccare i girondini che in quel periodo avevano il potere. Forse fu proprio questa eccessiva aggressività di Marat che portò la sua morte. Fu proprio Charlotte Corday, una giovane girondina, che tese una trappola a Marat e vendicandosi, lo pugnalò mentre si trovava in vasca nella sua casa.

Francesco Hayez, Trittico della vendetta, 1847-1853

Sul tema della vendetta desta davvero stupore un bellissimo trittico del pittore veneziano Francesco Hayez che nello specifico va ad analizzare la vendetta di una donna che ha subito un torto da un suo amante. Il trittico si compone di tre quadri tra loro separati: L’Accusa Segreta, Il Consiglio alla Vendetta e Le Veneziane.

Nel primo quadro vi è una donna che tiene in mano dietro la schiena una lettera dove è scritta la delazione che dovrebbe portare alla rovina la persona accusata. Nel quadro centrale invece la protagonista ascolta il consiglio di una donna mascherata su come vendicare l’offesa subita dal suo amante. Mentre nel terzo e ultimo dipinto ritroviamo nuovamente la protagonista e la consigliera, accompagnate da un giudice, vestito di rosso, a simboleggiare il sangue sparso qualora la vendetta verrà compiuta. 

Gustave Klimt, Ritratto di Adele Bloch-Bauer I, 1907

Il Ritratto di Adele Bloch-Bauer I, uno fra i più celebri dipinti di Gustav Klimt, fu al centro di un affaire incredibile e romanzesco, che interseca le vicende storiche dell’Europa del XX secolo. La dama ritratta apparteneva alla ricchissima dinastia di industriali viennesi, la cui corte fu da sempre frequentata dai più noti artisti e uomini di cultura dell’epoca, tra cui Klimt.

Già in tutta Vienna si parlava della relazione amorosa che l’artista aveva avuto all’interno della corte con la sua musa Adele, moglie del magnate austriaco Ferdinand Bloch-Bauer. Quando il marito lo venne a sapere, infuriato volle vendicarsi sui due amanti, scegliendo un modo decisamente insolito per farlo. Ordinò a Klimt il ritratto di sua moglie Adele, facendogli fare però centinaia di segni preparatori, schizzi e bozze, sperando che l’artista si stancasse della sua amante.

Federica.

Che cos’è la Passione? E’ un stato d’animo caratterizzato da una tendenza affettiva impetuosa, che può impedire il controllo della ragione. Spesso scatenata da un desiderio ardente per qualcuno, e interpretata come amore violento e sensuale. Può essere così forte da inibire la libertà personale, uno stato in cui l’anima è in un certo senso resa passiva, da cui il nome di passioni.

La letteratura, il cinema, l’arte, ecc, nel corso della storia, hanno saputo rappresentare questa emozione producendo opere di grande bellezza. La storia dell’arte, ad esempio, è piena di artisti le cui opere altro non sono che la loro personale, passionale e sensuale visione della vita. Ecco come la passione viene rappresentata e addirittura suscitata negli occhi di chi guarda. Di seguito verranno elencate alcune delle opere più passionali realizzate fino ad oggi.

Antonio Canova, Amore e Psiche, 1787-1793

Canova è considerato dagli storici dell’arte lo sculture di riferimento del Neoclassicismo. Nella statua Amore e Psiche le figure classiche dei due giovani si incontrano con una composizione in perfetto equilibrio. Canova scolpì il gruppo ispirandosi alla favola narrata nell’Asino d’oro di Apuleio. Venere, dea madre di Amore, contraria all’unione tra il figlio e la bella Psiche, sottopose quest’ultima a una serie di pesanti prove.

Canova scolpì il momento nel quale i due giovani si ritrovano e si abbracciano, con azione erotica sottile e raffinata. Amore e Psiche nell’attimo che precede il bacio, si contemplano l’un l’altro con intensità. Le loro labbra, pur essendo estremamente vicine, non sono ancora unite. Con le mani si sfiorano in modo romantico, tradendo un desiderio innegabile ma non espresso. Canova comunica il loro trasporto amoroso in modo misurato ed equilibrato, sfumando la loro passione nella tenerezza e in un’affettuosa contemplazione.

Henri de Toulouse–Lautrec, A letto: il bacio, 1892

In seguito al periodo paesaggistico, Toulouse-Lautrec lavorò ad un ciclo di dipinti realistici sulla vita notturna parigina. Ecco come Cafè, locali, case chiuse e bordelli divennero per lui luoghi da riprodurre all’interno delle sue opere. Uno dei pregi del pittore fu proprio quello di raccontare le storie di persone nascoste, dimenticate o bollate con etichette superficiali.

Ecco come nel quadro A letto: Il bacio, svela l’intimità di due prostitute omosessuali, che all’interno delle case chiuse si scambiano un bacio e un abbraccio. Non ci sono moralismi, giudizi o sentimentalismi. Ma solo l’immediatezza di un’immagine rispettosa che cattura un momento passionale, intimo e familiare. Questo dipinto emana una bellezza ed una sensualità che sembrano stare lì appositamente a ricordarci che il pittore crede ancora in un amore sincero e puro.

Egon Schiele, L’abbraccio, 1917

Schiele, pittore considerato uno dei maggiori artisti figurativi della Secessione Viennese e del primo ‘900, nonché esponente assoluto del primo Espressionismo. Nell’opera L’abbraccio, o anche chiamata gli amanti, introduce una forte espressività e un’attrazione verso i due corpi nudi nella tela.

Sono un uomo e una donna, abbracciati con sincera passione, colti nella loro più viva e intensa intimità. La coppia, si stringe in un abbraccio che ha in sé una vera e propria potenza emozionale come se avessero paura di perdersi o separarsi. Questa forte passione e intensità viene maggiormente sottolineata dall’utilizzo delle linee nette e spezzate delle anatomie e i colori in forte contrasto.

Renè Magritte, Gli amanti, 1928

Il tema degli amanti, ricorre spesso nella pittura di Magritte di quegli anni. Infatti, molte sono le rappresentazioni che il pittore belga realizzò aventi come soggetto o un uomo e una donna affiancati, con il volto coperto da un lenzuolo bianco.

Anche nell’opera Gli amanti, essi hanno il volto coperto da un panno bianco, pallido, in contrasto con il rosso della parete e del vestito della donna che rimanda al colore del sangue e della passione. È presente, infatti, la contrapposizione tra il gesto dei due, ovvero il baciarsi, e la loro non identificabile identità. Questo per rappresentare un amore che ancora non c’è, ma sognato e desiderato ardentemente. Da una parte, quindi, la felicità di un sogno, dall’altro la tristezza della realtà.

Ron Hicks, Love on the road, 1965

Da sempre appassionato di pittura realista Hicks, farà dell’amore e della passione uno dei temi principali della sua produzione artistica. Raffigura baci nei cafè, nel letto, in un parco, e addirittura per strada.

Nell’opera Amore per strada, infatti, ritrae la forte passione tra due giovani amanti che che va aldilà del tempo e dello spazio. Ecco come si protendono al di fuori delle loro auto, nel mezzo della strada, per potersi scambiare il bacio, che suggella il loro amore. Secondo l’artista l’incrocio delle due auto lungo la strada equivale all’incrocio delle vite dei due giovani e al loro amore passionale.

Federica.

Cos’è la solitudine? E’ una condizione umana nel quale l’individuo si isola per scelta propria, per vicende personali o perché allontanato dagli altri esseri umani. Talvolta è il prodotto della timidezza o dell’apatia, talaltra di una scelta consapevole. Nella lingua inglese, infatti, vi sono due differenti vocaboli, solitude e loneliness, che si riferiscono rispettivamente al piacere e al dolore provati in condizioni di esclusione.

La letteratura, il cinema, l’arte, ecc, nel corso della storia, hanno saputo rappresentare queste emozioni producendo opere di grande bellezza. La storia dell’arte, ad esempio, è piena di artisti le cui opere altro non sono che la loro personale, audace e talvolta solitaria visione della vita. Ecco come la solitudine viene rappresentata e addirittura suscitata negli occhi di chi guarda. Di seguito verranno elencate alcune delle opere realizzate fino ad oggi il cui tema è la solitudine.

Caspar David Friedrich, Viandante sul mare di nebbia, 1818

Il Viandante sul mare di nebbia è considerato l’opera più importante di Friedrich e il manifesto della pittura romantica. I temi rappresentati nel dipinto sono quelli dell’infinito, della natura sublime e dello smarrimento empatico, tipici del romanticismo. In primo piano, un viandante solitario si staglia in controluce su un precipizio roccioso, dando la schiena all’osservatore e rivolgendo lo sguardo verso la valle.

Il viandante in questo caso, è solo e indifeso di fronte al meraviglioso infinito naturale che ha di fronte. Si perde così nella contemplazione della natura immedesimandosi in essa. Il mare di nebbia, rappresenta questa condizione di solitudine e di smarrimento, tipiche dell’uomo. Ed è proprio l’eroico isolamento del viandante, che diventa il suo viaggio della vita.

Edgar Degas, L’assenzio, 1875-76

Degas è passato alla storia per essere stato un grande pittore impressionista. Ma a differenza degli appartenenti al suo gruppo stilistico non dipinge bellissimi scorci della campagna francese. Preferiva di gran lunga la chiassosa e vivace Parigi, ricca di storie da raccontare. Nell’Assenzio riproduce questo caffè parigino, luogo di incontro e di conversazione ma anche ambiente in cui la solitudine e la tristezza sono i padroni incontrastati.

Nel caffè appaiono due personaggi, una prostituta e un barbone, seduti al tavolo che bevono. Si tratta di una scena molto forte e di cruda realtà. L’alcool consumato dai protagonisti li devasta fisicamente e psicologicamente, facendoli diventare quasi dei gusci vuoti, senza anima. Anche se vicini tra loro, sono soli, abbandonati a se stessi.

Amedeo Modigliani, Il giovane apprendista, 1918

Posa simile viene ripresa anche da Modigliani nell’opera Il giovane apprendista. Con l’atteggiamento proprio da riposo, gli occhi socchiusi o propizi alla meditazione, la figura dà un’impressione di fermezza e tranquillità. Attraverso l’artista però sappiamo che si tratta di un giovane operaio, che finito il suo stancante lavoro si ritira nella sua casa e nella sua solitudine quotidiana.

Le mani enormi che fanno contrasto con la delicatezza del volto, la camicia senza colletto, le maniche della giacca troppo corte sono sufficienti a descrivere la condizione operaia del ragazzo. Il soggetto però rimane anonimo, come a sottolineare la generalizzazione di questo ritratto che descrive la quotidianità e la vita di quel periodo. La società di inizio novecento, infatti, era completamente concentrata sul lavoro, tanto che una volta rientrati a casa dopo il turno lavorativo si doveva far i conti con noia e solitudine.

Edward Hopper, The morning sun, 1952

L’ultimo artista è Hopper, esponente del realismo americano, forse colui che rappresenta al meglio l’emozione presa in analisi. Nel corso della sua produzione artistica, infatti, realizzerà una serie di opere del tutto incentrata sulla “poetica della solitudine”. Di questa serie ricordiamo l’opera più famosa, The morning sun. In essa, emerge chiaramente l’essenzialità di Hopper, tutto appare fermo, immobile, privo di vita.

La ragazza si trova sul suo letto, dopo essersi svegliata da poco, e scruta quello che si trova fuori nel mondo grazie alla sua finestra. La solitudine permea nell’intera scena, attraverso lo sguardo della ragazza, circondata da un estremo silenzio. Il letto è rifatto bene, ciò lascia intuire che abbia dormito da sola, senza poter condividere le sue angosce e le sue gioie con qualcuno. La solitudine è predominante, a dimostrare come ci si possa sentire soli anche in una grande metropoli, filo conduttore di tanti quadri di Hopper.

Federica.